Uraufführung am Deutschen Theater: Ein Abend der Emotionen und Abgründe
In der rosafarben überhöhten Wohnküche steht Corinna Harfouch als Hope – umgeben von einer künstlich perfekten Welt, die mehr Fassade als Zuhause ist. Anna Bergmann bringt am Deutschen Theater Berlin Noah Haidles neues Stück "Spirit and the Dust" auf die Bühne und stellt die 71-jährige Schauspielerin ins Zentrum eines Abends, den sie mit beeindruckender Präsenz, feiner Körpersprache und großer Ausdruckskraft trägt.
Ein Haus als Bühne des Lebens und des Traumas
Das Stück beginnt mit einer Wohnungsbesichtigung. Hope, eine erfolgreiche Maklerin, präsentiert ein modernes, zweistöckiges Haus. Ihre Kunden sind Margaret, gespielt von Wiebke Mollenhauer, und Will, dargestellt von Lenz Moretti, ein junges Paar, das heiraten will. Margaret ist schwanger, und ihre Welt wirkt rosa, fast kitschig. Zu nostalgischer amerikanischer Musik im Stil der 60er Jahre wird getanzt – eine glamouröse, künstliche Oberfläche.
Doch als Hope mit Margaret einen Moment allein ist, spricht sie eine unbequeme Wahrheit aus: Sie hat bemerkt, dass Margaret unglücklich ist. Margaret gesteht schließlich, dass sie Will nicht liebt. Parallel taucht Jerry auf, gespielt von Frieder Langenberger, Hopes Freund und Beschützer, ein junger Mann, der sich fürsorglich um sie kümmert. Sie sind vertraut miteinander, und es gibt Andeutungen einer gemeinsamen Vergangenheit.
In Gesprächen wird klar: Hinter dem Haus liegt ein Pool, in dem vor zwanzig Jahren zwei Kinder ertrunken sind – Hopes Tochter und der Sohn der Nachbarin Donna, dargestellt von Abak Safaei-Rad. Das Haus ist also nicht nur Verkaufsobjekt, sondern auch ein Ort des Traumas. Hinter Hope und Donna steht eine überdimensionierte Mickey-Mouse-Figur – ein zerstörtes Kinderspielzeug, das nicht mehr niedlich wirkt, sondern wie eine Gestalt aus einem Horrorfilm: Aus Symbolen der Kindheit sind Monster geworden.
Musik als Verdrängungsmaschine und die Suche nach Hoffnung
Immer wieder werden Schallplatten aufgelegt, und diese weichgezeichnete, fast süßliche Harmonie legt sich über die Szene. Es wirkt, als würde jemand versuchen, den Schmerz zuzudecken, die Realität mit einem Soundtrack zu übermalen. Die Musik erinnert an amerikanische Musicalwelten, in denen Probleme weggesungen werden und Gefühle in große Gesten münden. Doch hier entsteht ein Bruch: Die Figuren tanzen zwar, sind aber innerlich zerrissen.
Dann erscheint Lee, gespielt von Alexander Khuon, Wills Vater im Haus, ein ehemaliger Latein- und Griechischlehrer. Sie sprechen über das Haus als Bühne des Lebens, über Verlust und Vergänglichkeit. Lee berichtet vom langen Sterben seiner Frau. Die Gespräche sind tief, intim und von gegenseitigem Verständnis geprägt. Hoffnung auf eine neue Nähe entsteht.
Die Drehung der Bühne und die Konfrontation mit dem Inneren
Dann dreht sich die Bühne, und die Rückseite des Hauses offenbart eine surreale Traumlandschaft – eine monströse Welt mit überdimensionaler Mickey-Mouse-Figur und dem bedrohlich präsenten Pool. Hier verhandeln die Figuren ihre inneren Abgründe. Inzwischen eskaliert die Situation zwischen Margaret und Will. Margaret verlässt ihn – sie hat das Kind verloren oder sich bewusst dagegen entschieden, weil sie keine gemeinsame Zukunft mehr sieht.
Für Will bricht damit alles zusammen. Er ist verzweifelt, gedemütigt und vollkommen orientierungslos. In seiner Wut konfrontiert er Hope, greift nach jahrelanger Abstinenz wieder zum Alkohol und stirbt an einer Überdosis, vermutlich Kokain. Für Lee bedeutet das den unerträglichsten aller Verluste: Er überlebt sein eigenes Kind. Die Frage, wie man mit dem Schlimmsten umgeht, steht im Raum.
Hope und Lee scheinen zueinanderzufinden: Beide haben ein Kind verloren, das verbindet. In einer filmischen Sequenz sieht man sie auf Reisen – Venedig, Paris, Berlin. Es wirkt wie das Happy End eines amerikanischen Melodrams. Doch auch diese Illusion zerfällt.
Das Ende: Eine radikale Entblößung und ein Moment des Innehaltens
Am Ende bleibt Hope allein mit der Wahrheit. Sie geht ins Wasser, in den Pool. Ihre Stimme wird ruhiger, klarer, beinahe sachlich. Kein Pathos, kein großes Zittern. Und genau darin liegt die Ungeheuerlichkeit. Sie erzählt von diesem Tag vor zwanzig Jahren, von der Unachtsamkeit, vom Moment, der alles zerstört hat. Von der Schuld und dem Versuch, einen inneren Schmerz mit äußerem Schmerz zu übertönen.
Man hat das Gefühl, sie atmet gegen das Wasser an. Als würde sie wirklich untergehen – nicht nur körperlich, sondern existenziell. Das ist keine gespielte Verzweiflung, sondern eine radikale Entblößung und zugleich eine enorme Kontrolle. Es fällt schwer, Harfouch dabei zuzusehen, so intensiv ist das. Wegsehen kann man auch nicht. Lee kommt zurück, zieht sie aus dem Wasser. Es gibt keine Erlösung – aber einen Moment des Innehaltens, der Pause vom Schmerz. Das Stück endet tragisch, aber nicht hoffnungslos: Zwei beschädigte Menschen halten einander fest, während die Vergangenheit bleibt, wie sie ist.
Ein Abend für Corinna Harfouch und das gesamte Ensemble
Über all dem steht Corinna Harfouch. Mit atemberaubender Präzision und emotionaler Wahrhaftigkeit macht sie jede Nuance zwischen Fassade und Abgrund sichtbar – besonders im Schlussbild im Wasser, das sie zu einem erschütternden, einem unvergesslichen Moment von Größe macht. Aber: Dieser Abend funktioniert nicht nur wegen ihr. Das gesamte Ensemble ist außergewöhnlich präsent.
Das Publikum applaudiert begeistert. Regisseurin Anna Bergmann, sichtlich bewegt, holt Noah Haidle persönlich auf die Bühne, zieht ihn an der Hand ins Rampenlicht – ein großer, ein gemeinsamer Moment zwischen Autor, Ensemble und einem bewegten Publikum. Weitere Termine sind für den 3., 4., 10. und 19. März 2026 sowie ab April geplant.
